Poolbar Events

06. 07. 2012: poolbar-Auftakt: Frittenbude

Sun Apr 29 20:08:09 UTC 2012

Wenn sich eine Band Frittenbude nennt, ist das schon einmal ein Zeichen für eine gesunde Portion Selbstironie. Gehobenen kulturellen Anspruch reklamieren Frittenbude aus Bayern mit Sicherheit auch nicht für sich.

Schließlich sind Josef Utzenbacher, Rüdiger Streuner und Schranz Beckenhauer - schöne Alter Egos übrigens - eindeutig ein spätes Nachbeben hyperventilierender Bands wie Deichkind, Mediengruppe Telekommander und überhaupt des Hypes um "3 Tage Wach". Auch die neuerliche, mit Sex und Rock'n'Roll kokettierende Tanzbegeisterung, ausgelöst durch Justice und andere Acts des französischen Ed-Banger-Labels, ist sicher nicht ganz abträglich.

Jedenfalls zitieren, rezitieren und basteln die drei Twens kompromisslos Versätze von Techno, Rave und Rap zu einer bunten Lach- und Schießgesellschaft zusammen, der es in erster Linie um gereimten Party-Hedonismus und ein bisschen Teenage Riot geht. So stehen die Chancen gar nicht schlecht, dass Frittenbude mit ihrem Heiß und Fettig auch ordentlich Umsatz machen.

Mit dem Hamburger Label Audiolith hat man schließlich nicht zuletzt eine glaubwürdige und gut vernetzte Rave-Streitmacht im Rücken, deren vorauseilender Ruhm für volle Jugendzentren landauf, landab sorgt. Und mit dem Pandabären als Party-Maskottchen und digitaler Bastelvorlage mutieren die Konzerte gerne mal zu wilden Maskenbällen für die Internetgeneration. Spaß erfordert eben nicht unbedingt Originalität.

Text von laut.de

frittenbude.blogsport.de
myspace.com/frittenbude

06. 07. 2012: Xander & Niederreiter

Thu May 10 21:05:13 UTC 2012

Wenn man durch den Club läuft und die Menschen sieht wie sie mit einem Lächeln im Gesicht tanzen, weiß man, dass sie verstehen was die Musik versucht ihnen zu vermitteln. Bei ihnen ist es kein Versuch geblieben. Xander Kassian & Niederreiter Markus schaffen es die Menge zum tanzen zu bringen und es bedarf dabei keine Unterhaltungen und Worte mehr. Mit viel Leidenschaft zur Musik haben sie schon einige Projekte gestartet. Das Neuste, "Xander & Niederreiter", wird mehr als nur ein Projekt. Hinter ihm stecken zwei Musikliebhaber die sich zu Deep House/House und Tech-House hingezogen fühlen und das auch jeden einzelnen im Club spüren lassen. Sie sind sich einig, Musik machen und hören sind Dinge die auf eine eigene Art und Weise Zufriedenheit im Leben schaffen. Hier sehen sie auch ihre Aufgabe, die Menschen von deren konventionellen Denkweisen abzubringen und sich im Club völlig dem Sound hinzugeben.

soundcloud.com/xanderundniederreiter
facebook.com/xanderundniederreiter

06. 07. 2012: Bud Budesonic

Thu May 10 21:06:14 UTC 2012

06. 07. 2012: gameboymusicclub

Fri Feb 24 09:47:52 UTC 2012

gameboymusicclub.org
myspace.com/gameboymusicclub

07. 07. 2012: Yann Tiersen

Thu Mar 22 22:42:04 UTC 2012

Der Erfolg des Films "Die fabelhafte Welt der Amélie" katapultiert auch den Komponisten Yann Tiersen in den Fokus der Öffentlichkeit. Seine verträumte und teilweise nostalgische Instrumental-Musik zu dem ebenso verträumten Streifen von Regisseur Jean-Pierre Jeunet findet allein in Frankreich mehr als 200.000 Käufer. Plötzlich kennt die Welt diesen Musiker, der zuvor mit drei veröffentlichten Alben und einigen Filmkompositionen eher den Status eines Geheimtipps inne hatte.

Yann Tiersen wird am 23. Juni 1970 in der Bretagne geboren und wächst in Rennes auf. Ab dem Alter von sechs Jahren lernt er Geige und Klavier, bevor er als Teenager gegen die klassische Musikausbildung rebelliert. Statt Geige oder Klavier zu üben, greift Tiersen zur Gitarre, um seinen Vorbildern, The Stooges und Joy Division, nachzueifern. Schon zu dieser Zeit komponiert der Franzose Musik für Kurzfilme und Theaterstücke. Später führen ihn seine Studien in klassischer Musik, Komposition und allgemeiner Musiklehre unter anderem nach Nantes und Boulogne.

Dass es fast einer Untertreibung gleichkommt, Tiersen einen Multi-Instrumentalisten zu nennen, beweist er 1995 auf seinem ersten Album "La Valse des Monstres": Cembalo, Banjo, Gitarre, Glockenspiel, Klavier, Melodica - die Liste der Instrumente, die Tiersen beherrscht, scheint endlos und nährt seinen Ruf als "Ein-Mann-Orchester". 1998 bringt ihm die Single "Monochrome" seines dritten Albums "Phare", eine Zusammenarbeit mit dem französischen Popstar Dominik A., erstmals größere Beachtung ein. Jenseits des Mainstream macht sich Tiersen durch Kooperationen mit The Divine Comedy und Lisa Germano einen Namen.

Der nächste Coup nach dem Erfolg des "Amélie" -Soundtracks gelingt Tiersen 2003 mit der Filmmusik zu Wolfgang Beckers tragikomischem Wendemovie "Good Bye Lenin!". Wieder bezaubert er das Kinopublikum mit seinem getragenen, sanft melancholischen Klavierspiel. Doch Tiersen bleibt auch außerhalb von Filmproduktionen musikalisch aktiv: Nach "L'Absente" entsteht 2005 "Yann Tiersen And Shannon Wright" innerhalb von 20 Tagen und beinhaltet sehnsüchtige Kompositionen, gepaart mit dem eindringlichen Gesang von Shannon Wright. Und weiter geht's im Schnellverfahren, denn nicht einmal ein halbes Jahr später erscheint "Les Retrouvaille", das nicht etwa einem Schnellschuss gleichkommt, sondern einen Yann Tiersen zeigt, der nach wie vor auf ganz hohem Level Musik zelebriert.

So groovt sich der Bretone in seinem eigenen musikalischen Universum ein, ohne sich groß um Trends oder Strömungen im Musikbusiness scheren zu müssen. Musiker wie Tiersen geben nämlich ihren eigenen Takt vor.

Text von laut.de

yanntiersen.com
myspace.com/yanntierseninprogress

07. 07. 2012: Club Boogaloo Air presents: Flug Tanzmarathon 7712

Sun Apr 29 20:35:24 UTC 2012

08. 07. 2012: Von Hollywood nach Uganda

Sun Apr 29 20:01:02 UTC 2012

Wie eine Comedy-Autorin dazu kam, Afrikas geheimen Krieg aufzudecken

Nach dem Roman von Jane Bussmann
Theaterfassung von Barbara Herold

Mit: Maria Fliri
Regie: Barbara Herold
Ausstattung: Caro Stark

Ein zorniges, wahrhaftiges und herzzerreißend komisches Solo über Kriegsverbrechen, Filmstars und andere Abscheulichkeiten.

Eine Comedy über Kindersoldaten und Sexsklavinnen schreiben.
Geht das? Darf man das?
Jane Bussmann hat es getan, weil sie mit ihren engagierten und erschreckenden Recherchen über den Krieg in Norduganda bei den Medien auf wenig Interesse stieß. Und sie war zornig genug, um das zu tun, was sie als Comedy-Autorin am besten kann. Sie schrieb eine Komödie über Kindersoldaten, Sexsklavinnen, Menschenrechtsverletzungen und über ihre eigene Verwandlung von einer abgebrühten Klatschreporterin in eine engagierte Auslandskorrespondentin, die nach Uganda fliegt, weil sie für einen gutaussehenden Friedensstifter schwärmt. Und die dabei nicht nur Erfolgserlebnisse hat.

Bussmanns genialer Kniff besteht darin, dass sie zunächst auf glänzend entlarvende Weise den Glamour-Wahnsinn Hollywoods beschreibt, den sie als Promi-Journalistin porentief kennt, um anschließend die Mittel der Satire in gleicher Weise auf den Wahnsinn des Bürgerkriegs und die Verhältnisse in Uganda anzuwenden. Hier spart sie auch nicht mit Selbstironie und kritisiert ihr eigenes Streben und Scheitern bei dem Versuch, endlich ein nützlicher Mensch zu werden.

Die scheinbar provokante Entscheidung, die Stilmittel von Comedy und Unterhaltung auf das sensible Thema ‚Kindersoldaten in Afrika‘ und die damit verbundenen Gräuel anzuwenden, ist bei Jane Bussmann letztlich aus Hilflosigkeit entstanden. Der Hilflosigkeit, nicht zu wissen, wie man Aufmerksamkeit für Menschen erregt, die keine Lobby haben, weil sie arm sind, unrentabel und ‚schwarz‘.

"Ich lache nicht über Sexsklaven, ich lache über unsere Ausflüchte, warum wir sie nicht retten." [Jane Bussmann, www.fairplanet.net]

Man erfährt erschütternde Details aus dem Leben von Weltstars sowie des bösesten Mannes der Welt: Joseph Kony, Anführer der Rebellenarmee Lord's Resistance Army, die Ugandas Norden tyrannisiert, hat in zwanzig Jahren tausende Kinder verschleppt und sie im Busch zu Kindersoldaten und Sexsklavinnen 'ausgebildet', indem er ihnen unter anderem Rambo-Filme zeigte.
Jane Bussmanns Recherchen führen auch zu erstaunlichen Erkenntnissen über die ugandische Regierung, die 1,6 Millionen Menschen zu deren vermeintlichen Schutz in Lagern festhält, um so Milliarden für humanitäre Unterstützung zu erhalten.

Jane Bussmann schreibt rasant, pointiert und rasend komisch. Oft ist ihr Humor makaber, aber sie schafft immer das Kunststück, dass die Personen, um die es geht, niemals der Lächerlichkeit preisgegeben werden.

dieheroldfliri.at

10. 07. 2012: netzwerkTanz: open space

Sun Apr 29 20:39:20 UTC 2012

Mehrmals im Jahr präsentieren sich Tänzer_innen beim open space auf verschiedenen und aussergewöhnlichen Bühnen in Vorarlberg. Eingeladen sind neben bereits fertigen Kurzstücken auch Auszüge aus Produktionen, die noch bearbeitet werden. Das Format von netzwerkTanz ermöglicht Tanzschaffenden, sich zu probieren, neue Ideen zu verfolgen und sich die Frage zu stellen, wie das Gezeigte nach außen wirkt. Das Publikum kann den Auftretenden seine Ansicht anonym auf einem Feedbackbogen übermitteln, ganz frei und ungefiltert. Etwas differenzierter und mit fachlichem Background erhalten sie diesen Service vom Feedbackteam. Deren Rückmeldung soll für die weitere Bühnenarbeit motivierend und fördernd sein.

Das Modell open space ist in dieser Form in Österreich einzigartig. Es unterstützt Tanzschaffende in ihrer künstlerischen Entwicklung, vor allem den Nachwuchs. Den Zuschauer_innen bietet es einen etwas anderen Zugang zum Tanz. Das Programm gestaltet sich jedes Mal überraschend und neu. Das Team von netzwerkTanz sucht die Beiträge nicht aus, sondern setzt sie chronologisch nach Anmeldeeingang. Ob's gefällt, entscheidet das Publikum.

Hintergrund:
netzwerkTanz Vorarlberg ist ein Verein für Zeitgenössische Bewegungskunst. Seit 2007 unterstützt, berät und informiert er Tanzschaffende und -interessierte und präsentiert in seinen Formaten auch der Öffentlichkeit Zeitgenössischen Tanz. Das Ziel ist eine Verankerung dieser Kunstform in der Region und über die Grenzen hinaus.

Programm Feldkirch:

Age Company (Wien)
Achtung Deadline | Zeitgenössische Tanzperformance
Transitheart Productions (Wien)
The Hype | Zeitgenössischer Tanz
Veza Fernandez-Wenger, Alina Stockinger, Alexandra Degenhardt-Zach (Graz)
Primary Emotions - An Empirical Body Analysis | Zeitgenössischer Tanz
Julia Danzinger (Wien)
My body is a drugstore II | Zeitgenössische Tanzperformance
Dominik Feistmantl (Vorarlberg/Amsterdam)
time line | Zeitgenössischer Tanz

Feedback von:

Kjersti Sandstø | Tänzerin und Choreografin
Natalie Begle | Tänzerin, Choreografin und Tanzpädagogin

Moderation: Martina Eisendle

Eintritt:
EUR 9,- regulär / EUR 7,- ermäßigt

Info und Kartenreservierung:
kontakt@netzwerktanz.at | +43 (0)680 2005031

netzwerktanz.at

11. 07. 2012: i not dance

Thu May 10 21:09:46 UTC 2012

inotdance.com
myspace.com/inotdance

11. 07. 2012: no.sar

Thu May 10 21:12:17 UTC 2012

nosar.at
myspace.com/no.sar

12. 07. 2012: Theophilus London

Thu Apr 19 10:16:10 UTC 2012

Eigentlich laufen die Dinge so: Jemand hat einen Hit, den entdeckt dann vielleicht eine Firma und unterlegt damit einen ihrer Werbespots. Doch es geht offenbar auch anders herum: "Ich hatte schon Werbedeals, bevor die Massen meinen Namen kannten", erklärt Theophilus London.

Damit wir uns nicht missverstehen: Keineswegs spricht er von unbekannten Untergrund-Marken. Namen wie Tommi Hilfiger, Gucci und Nike stehen in seinem Lebenslauf. "Es ist eine neue Idee", so London. "Ich entwickle hier ein ganz neues Geschäftsmodell für Künstler, die nach mir kommen. Künstler, die noch nicht einmal ein Album veröffentlicht haben."

Theophilus London lässt sich mit diesem Schritt selbst auch reichlich Zeit. Erst 2011 erscheint "Timez Are Weird These Days", seine erste Veröffentlichung im Longplayer-Format. In den Jahren davor beschränkt er sich darauf, EPs und Mixtapes unters interessierte Volk zu werfen.

"Mixtapes sind sehr persönlich", ist Theophilus London überzeugt. "Manchmal erzählen sie sogar mehr über die Person, die dahinter steckt, als ein Album." Auch seine musikalischen Vorlieben lassen sich erahnen: London steht auf Michael Jackson, Prince und Whitney Houston, auf Sun Ra und Fela Kuti, aber auch auf Kraftwerk und The Smiths.

Theophilus London kommt am 23. Februar 1987 auf Trinidad zur Welt. Schon bald übersiedelt die Familie aber nach New York City. Theophilus wächst in Brooklyn auf. Musikalisch betrachtet geht er schon beinahe als Spätzünder durch: Erst mit 16 entdeckt er die Ausdrucksformen, die die Musik ihm bietet.

2007 beginnt er, mit dem New Yorker Label Normrex zusammen zu arbeiten. Es entstehen die ersten seiner zahlreichen Mixtapes. Seine Kontaktfreude, seine Reiselust und seine musikalische Aufgeschlossenheit bescheren Theophilus London bald ein beeindruckendes Netzwerk.

Rasch steigt der MC und Sänger zu einer Underground-Berühmtheit auf. Er arbeitet mit Mark Ronson, Damon Albarn, Hudson Mohawke, Jamie XX, Simian Mobile Disco und zahllosen weiteren Kollegen zusammen. Die Vielseitigkeit der Mitstreiter findet ihren Widerpart in Londons Sound: Pop, Soul, Hip Hop und R'n'B treffen da auf Post-Punk und Elektro.

Beinahe nebenbei avanciert er zudem zur Mode-Ikone - womit bei einem seiner ersten Auftritte noch nicht zu rechnen war: "Ich war overdressed und ich stand blöd da. Ich war nervös wie Sau und wurde ausgebuht", erinnert er sich in einem Interview.

Später verehrt man ihn geradezu als Style-Papst. "Ich würde mich nicht dem Druck aussetzen wollen, mich als Trendsetter zu bezeichnen", wehrt Theophilus London ab. "Ich hab' nur gerade einen Lauf und habe ein paar richtige Entscheidungen getroffen. Mein Geschmack verbessert sich zusehends, je mehr ich reise und je mehr Leute ich kennenlerne. Das ist alles."

Ein bisschen mehr muss schon noch dran sein, sonst würde die Montreal Gazette nach dem Auftritt des Genre-überschreitenden Rappers beim Internationalen Jazz-Festival in Montreal nicht frohlocken: "Aus Theophilus London wird noch ein Großer. Ein ganz Großer."

Text von laut.de

theophiluslondon.net
myspace.com/theophiluslondon

13. 07. 2012: Klangschau DJ-Team

Thu May 10 21:15:13 UTC 2012

13. 07. 2012: The Whitest Boy Alive

Fri Feb 24 09:39:21 UTC 2012

Der Norweger Erlend Øye ist für Freunde elektronisch generierter Klänge mit Sicherheit kein Unbekannter. Mit einem "DJ-Kicks"-Album und zahllosen Auftritten als DJ hat er sich eine treue Fangemeinde auf der ganzen Welt erspielt. Zudem zeigt er sich als Mitglied der Kings Of Convenience gerne mal von der poppig-akustischen Seite des Musikmachens. Mit The Whitest Boy Alive ruft Erlend Øye nach der Veröffentlichung von "Unrest" im Jahr 2003 ein neues Bandprojekt ins Leben, das ein Jahr später mit einer Schippe Dancepop erstmals in Erscheinung tritt.

Gleich mit dem ersten Release auf Vinyl geben sich Whitest Boy Alive beim renommierten französischen Label Kitsuné die Ehre. Mit ihrem unkonventionellen Electropop passen sie dort auch wunderbar ins Labelroster. Auftritte bei europäischen Topfestivals wie dem Benicassim in Spanien oder auf dem Melt! vor den Toren Berlins folgen. Nach und nach geht die Entwicklung dann jedoch weg von der Elektronik hin zu natürlichen Instrumenten.

Mit Marcin Öz, Sebastian Maschat und Daniel Nentwig stoßen weitere Mitglieder zum Line-Up von The Whitest Boy Alive hinzu. In dieser Besetzung gewinnt die Band deutlich an Eigenständigkeit. 2006 findet der neue Indie-Sound von The Whitest Boy Alive seinen Weg auf den ersten Longplayer der Band. "Dreams" heißt die Scheibe, die im Berliner Cafe Moskau, dem einstigen Vorzeige-Restaurant des deutschen Sozialismus, entsteht.

Text von laut.de

whitestboyalive.com
myspace.com/thewhitestboyalive

14. 07. 2012: Japanther

Thu May 10 10:24:02 UTC 2012

Japanther liegen irgendwo zwischen Lighnting Bolt, White Stripes und Hip Hop. Im Rahmen ihrer Europatour kommen die Art Punk Rowdys aus Brooklyn am 14. Februar ins Shelter nach Wien. Beginn: 21:00 Uhr. Japanther sind berühmt für ihren von den Ramones inspirierten Pop Punk gemischt
mit Hip Hop Beats. Ursprünglich war das 2001 gestartet Projekt der beiden Kunststudenten Matt Reilly und Ian Vanek eher im Kunstbereich angesiedelt. Mittlerweile kann man die beiden im Bereich Punk/Noise Rock einreihen. Das aktuelle Album von Japanther ist 2011 erschienen und heißt "Beets, Limes and Rice" (APA)

japanther.com
myspace.com/japanther

15. 07. 2012: Aalices

Sun Apr 29 12:17:25 UTC 2012

16. 07. 2012: Marilyn Manson

Sat Feb 25 22:08:24 UTC 2012

1989 in Fort Lauderdale in Florida: Fotojournalist Brian Warner und Gitarrist Scott Mitchell beschließen, ihre Namen in Marilyn Manson und Daisy Berkowitz umzuändern (als Vorname amerikanische Pop-Ikonen, die Nachnamen von Serienmördern) um fortan unter diesen Pseudonymen die Musikwelt zu verschrecken.

Hier im Südosten Amerikas, wo Voodoo-Kult und christliches Abendland aufeinandertreffen, kann man schon auf merkwürdige Gedanken kommen. So entwerfen die Jungs dort ihr kontroverses Gesamtkonzept: Die Bühnenshow als multimediale Satansmesse, Sado-Maso Outfit und Logos, die von SS-Runen inspiriert sind. Fette Schlagzeilen in der Presse garantiert, wenn auch nicht immer nur positive.

Trent Reznor von den Nine Inch Nails gefällt die trashige Mixtur aus Synthie- und Metal-Elementen. Er erklärt sich bald zu deren Mentor und bietet ihnen an, im Vorprogramm von NIN zu spielen. Wie erwartet: ein schockierender Erfolg. Seitdem werden sie von den Medien wie die Hexen im Mittelalter verfolgt und Gerüchte gehen um, dass Marilyn Manson kleine Kinder zum Frühstück frisst, Hühner fickt und menschliche Gebeine und Exkremente in der Pfeife raucht.

Die prüden Amerikaner protestieren regelmäßig vor jedem Manson-Konzert, weil der "Reverend", wie ihn seine Fans liebvoll nennen, auf der Bühne Tiere schlachtet und Sex-Orgien zelebriert. Auch sind die Mansons bekannt dafür, die Beifallsstürme des Publikums mit wildem Rotzen und Spucken zu beantworten. Seit dem Erfolg des Chartbreakers "Antichrist Superstar" muss in der Church of Satan kein Klingelbeutel mehr herumgereicht werden.

Nun ist Marilyn Manson vom sozialkritischen Antiheld zum glitzernden Megastar aufgestiegen, schreibt Bücher und wird bei öffentlichen Auftritten des öfteren mit Porno-Starlets im Schlepptau gesehen. Jedoch, was bleibt übrig, wenn man sich das ganze Gerede um sein Image wegdenkt? Doch nur die Musik, und die wäre ohne den ganzen Trubel und Showeffekt nicht halb so spektakulär.

Das fand wohl auch das Publikum beim Southside-Festival 1999 in München. Dort war man von Mansons Auftritt weder begeistert noch schockiert, was nun wieder den Oberschocker so frustrierte, dass er das Gelände fluchtartig verließ.

Ganz spurlos scheint der ganze Ärger an MM nicht vorüber gegangen zu sein. Zum Ende des Jahrtausends veröffentlicht er auf seiner Webseite ein Statement, in dem er sich recht nachdenklich gibt und fragt: "Tötet Unterhaltung für Erwachsene unsere Kinder? Oder unterhält es Erwachsene, unsere Kinder zu töten?"

Außerdem kündigt er eine neue Platte an ("Holy Wood") und erklärt, dass er seinen Namen nach dem schlechten Vorbild eines gewissen Prince in ein unaussprechliches Symbol ändern will. Ohne die übliche Hetze, diesmal gegen Erzfeindin Courtney Love, scheint das neue "Symbol" allerdings nicht froh zu werden ...

Deswegen verschwindet es genau so schnell wieder im Archiv, wie es daraus aufgetaucht ist. Die Diskussion um die Person Marilyn Manson ebbt nach dem Massaker von Littleton nicht ab. In Michael Moores Film "Bowling For Columbine" wird er vom Regisseur höchstselbst interviewt, was ihm natürlich sofort wieder schlechte Presse in Bush-Amerika einbringt, wo zu dieser Zeit sowieso alles von überbordendem Patriotismus beherrscht wird. Da stört ein Stachel im Hintern wie Manson nur beim kollektiven "Hurra".

Musik macht Herr Warner jedoch nach wie vor. Das beweist er im Mai 2003, als sein Album "The Golden Age Of Grotesque" erscheint. Manson erfindet sich darauf zwar nicht neu, bietet aber ein ordentliches Brett, das auch textlich wieder für Kontroversen sorgt.

Das 2004 erscheinende Best Of-Album "Lest We Forget" füttert Gerüchte, Manson wolle sich aus der Musikwelt zurückziehen. Der Sänger teilt allerdings im folgenden Jahr mit, er arbeite an seinem sechsten Album.

Am 3. Dezember 2005 heiratet Manson seine langjährige Freundin Dita von Teese (bürgerlich Heather Sweet). Der Sänger und das New Burlesque-Model feiern die Eheschließung auf einem irischen Schloss. Doch diese Beziehung soll nicht von Dauer sein, schon im Frühjahr 2007 ist Schluss. Manson präsentiert aber bald seine neue Flamme, die Schauspielerin Rachel Evan Wood, der Öffentlichkeit.

Anfang 2008, Manson ist mittlerweile wieder solo, begrüßt er einen alten Weggefährten im Line-Up: Twiggy Ramirez, dem Marilyns Horrorszenario einst zu viel wurde, kehrt zurück, um neben Chris Vrenna, Rob Holliday, Ginger Fish und dem Meister selbst die anstehende US-Tour namens "Rape Of The World" zu bestreiten und an neuen Songs zu arbeiten. Von bisherigen Viersaiter Tim Skold hat man sich in aller Freundschaft getrennt. Der kehrt derweil zu KMFDM zurück.

Das kurze Zwischenspiel von Wes Borland bleibt für das neue Album "The High End Of Low" ohne Folgen. Da es keiner seiner Songs auf die Scheibe geschafft hat, schließt sich der Gitarrist lieber wieder den wiedervereinigten Limp Bizkit an.

Text von laut.de

marilynmanson.com
myspace.com/marilynmanson

Nach der Verlegung vom Hallenbad in die Messehalle in Dornbirn:

Wir haben uns bemüht, für jene Kartenbesitzer_innen, die ihr Ticket noch für das Alte Hallenbad ergattern konnten - wir nennen Sie frech „Early Birds" - einige Vorteile zu entwickeln:

# in der Messehalle wird ein privilegierter "Early-Bird-Bereich" direkt vor der Bühne eingerichtet, sodass den Early Birds eine Nähe zur Bühne ähnlich wie im Alten Hallenbad möglich ist. (Aber natürlich bleibt auch den anderen Manson-Fans genug Platz daneben in den ersten Reihen).

# Außerdem erhalten die Early Birds einen gesonderten „Early-Bird-Zugang", sodass kaum Wartezeiten entstehen sollten

#und noch dazu bekommt jeder Early Bird direkt vor Ort die Möglichkeit, sich einen 5-Euro-Rabatt für ein anderes (noch festzulegendes) poolbar-Konzert im Alten Hallenbad zu sichern.

Wer sein „Manson-im-Hallenbad"-Ticket dennoch retournieren will, kann das - allerdings erst ab Mittwoch, 28. März und nur bis 1. Mai - bei der Vorverkaufsstelle, wo das Ticket gekauft wurde, tun. (Obwohl eine Konzertverlegung lt. Ticketbedingungen eigentlich nicht zur Rückgabe berechtigt).

Wir nehmen aber an, dass sich - speziell mit den Early-Bird-Privilegien - kein Marilyn-Manson-Fan das Konzert entgehen lassen will. Wir wünschen allen (und uns) viel Vergnügen und empfehlen auch die anderen poolbar-Festival-Veranstaltungen im Alten Hallenbad. Viele Perlen gibt's da zu heben!

Mit freundlichem Ahoi, das poolbar-Team

17. 07. 2012: Gogol Bordello

Thu Mar 22 22:43:46 UTC 2012

Wer denkt, dass Gogol Bordello ein ungewöhnlicher, verwirrender Bandname sei, dürfte mit der Beschreibung ihrer Musik auch Probleme haben. Es handelt sich um "ukrainisches Zigeuner-Punk-Cabaret", wie Chefideologe Eugene Hütz erläutert. Oder, wie ihr erstes Label über das Album "Multi Kontra Culti vs. Irony" wissen lässt: "Gogol Bordello ist die Genese einer neuen Ästhetik, die die Lücke zwischen osteuropäischer und Sinti- und Roma-Kultur mit der westlichen überbrückt".

Bescheidenheit ist offensichtlich nicht Hütz' Sache. 1972 im ukrainischen Kiev geboren, verschlägt es ihn in den neunziger Jahren mit Zwischenstationen in Italien, Österreich, Ungarn und Polen nach New York. Dort trifft er auf weitere Aussiedler aus Osteuropa und Israel. Gemeinsam mit einem "einsamen Amerikaner" (Hütz) gründen sie 1999 Gogol Bordello. Die Benennung leiten sie vom Nachnamen des russischen Schriftstellers Nikolaj Gogol sowie der politisch korrekten Bezeichnung für einen Puff ab.

Hütz entwickelt eine eigene Sprache, mit der er seine Erfahrungen verarbeitet. Durch ihre wilden Bühnenshows macht sich die Truppe bald einen Namen. Neben einer Reihe an Musikinstrumenten, darunter Gitarre, Akkordeon, Geige, Saxophon und Schlagzeug, sind auf der Bühne auch immer wieder Zirkuskünstler, wilde Tiere, Feuerwerke, mongolische Chöre oder vergleichsweise zahme Blasgruppen zu sehen. Die Auftritte sind bunt und energiegeladen, die Kostümierung übernimmt die Designerin Rachel Comey.

Das Ergebnis hört sich an wie eine Mischung aus den Chaotentruppen Mano Negra und Leningrad Cowboys: politisch auf der einen, Spaß suchend auf der anderen Seite. Jim Sclavunos, Schlagzeuger bei Nick Caves Bad Seeds, ist so begeistert, dass er ein Label gründet, um ihr erstes Album zu veröffentlichen.

Mit einem Fuße in New York - freitags sind Gogol Bordello regelmäßig in der Pussy Cat Lounge, 96 Greenwich Street zu sehen - erhöht sich ihr Bekanntheitsgrad auch außerhalb der Stadt. Beim 2005 erscheinenden Viertling "Gypsy Punks - Underdog World Strike" sitzt kein geringerer als Steve Albini (u.a. Nirvana, Page & Plant) am Produzententisch. Im selben Jahr ist Hütz an der Seite von "Herr Der Ringe"-Darsteller Elijah Wood im Kinofilm "Alles Ist Erleuchtet" zu sehen, bei dem im Abspann auch die Gogol-Granate "Start Wearing Purple" zu hören ist.

Zwei Jahre später und nach unzähligen Konzerten (u.a. im Vorprogramm von Danko Jones und Primus) erhalten sie von Pop-Diva Madonna die Einladung, in ihrem Regie-Debüt "Filth And Wisdom" mitzuwirken. Zu der Zeit haben sie die Arbeiten an ihrem nächsten Album "Super Taranta" bereits abgeschlossen. Ehe dieses am 13.7. 2007 in den Läden steht, treten sie am 7.7. an der Seite des Superstars im Rahmen des Live Earth-Festivals im Londonder Wembley Stadion auf.

Text von laut.de

gogolbordello.com
myspace.com/gogolbordello

17. 07. 2012: Morbidelli Brothers

Thu May 10 21:19:45 UTC 2012

myspace.com/morbidelli

17. 07. 2012: Boris Smirnov

Thu May 10 21:26:20 UTC 2012

19. 07. 2012: Regina Spektor

Thu Mar 22 22:47:28 UTC 2012

"To me, the mentality was you sit at the piano and play Bach or Mozart or Chopin. You didn't ever improvise, so the idea of writing my own music was an intimidating one."

Regina Spektor kommt 1980 als Tochter jüdischer Eltern, einer Musiklehrerin und eines Violinisten/Fotografen, in Moskau zur Welt. Mit sechs Jahren beginnt sie Klavier zu spielen. Als ihre Eltern während der Perestrojka beschließen, aus der damaligen Sowjetunion auszuwandern, muss das Instrument verkauft werden. Nach den Zwischenstationen Österreich und Italien gelangt die Familie in den New Yorker Stadtteil Bronx, wo die neunjährige Regina aufwächst. Falls überhaupt, kann sie anfangs nur in der örtlichen Synagoge auf einem verstimmten Klavier üben. Durch einen glücklichen Zufall lernt sie eine New Yorker Musikprofessorin kennen, die sich bereit erklärt, sie zu unterrichten.

Auf die Idee, ihre eigenen Lieder zu komponieren, wird Regina im Alter von 16 Jahren von ihren Mitschülern gestoßen. Einmal auf die Idee gebracht, beginnt sie das Songschreiben ernst zu nehmen und versucht, mit jedem Versuch besser zu werden. Eine Kassette mit den ersten Gehversuchen als Songwriterin dient ihr im Folgenden als Bewerbungsunterlage für ein Musik-Konservatorium.

Während des Studiums beginnt sie, mit ihren Songs aufzutreten. Anfang 2001 nimmt sie dann in Eigenregie ein jazziges Album mit dem Titel "11:11" auf. Nach dem Abschluss nutzt sie jede Gelegenheit, um ihre Kompositionen live vor Publikum zu präsentieren. Ziemlich schnell ersingt und erspielt sie sich eine eingeschworene Fangemeinde in und um New York. Ende 2001 folgt "Songs", das ihr viel Lob seitens der Musikkritik einbringt. Ihre CDs verkauft sie zu dieser Zeit selbst über das Internet und bei ihren Konzerten.

Über einen Fan lernt sie den Strokes-Produzenten Gordon Raphael kennen, und nimmt mit ihm 2002 ihr herzerfrischendes drittes Album "Soviet Kitsch" auf. Selbiger spielt es dem Strokes-Frontman Julian Casablancas vor und der ist so begeistert, dass er Regina als Support für die ausverkaufte Nordamerika-Tour der Band engagiert.

Über ihren musikalischen Werdegang sagt sie überglücklich: "This is like a back door into what I've always wanted to do my whole life. I always wanted to play classical and concerts, and go from place to place and learn new programs and practice new things and play hours and hours of piano for people. And now I do that, except instead of playing the compositions of Chopin and Mozart, I play my own."

Da sie zum Zeitpunkt der Strokes-Tour noch keinen Plattenvertrag hat, muss Regina die Reisekosten aus eigener Tasche finanzieren. Zusätzlich zu den Live-Auftritten bietet ihr Casablancas an, gemeinsam mit den Strokes "Post Modern Girls" aufzunehmen, die B-Seite zur Single "Reptilia". Auf der Strokes-Tour lernt sie auch die Kings Of Leon kennen, die sie als Support auf Europa-Tour mitnehmen. Weitere Reisen unternimmt sie mit den Geschwistern im Geiste, den Moldy Peaches, sowie deren Frontfrau Kimya Dawson.

2005 findet ihr Song "Us" in der britischen Fernsehsendung "What Do You Want To Watch?" verwendung, was ihren Popularitätsgrad im Vereinigten Königreich sehr fördert. Die Tracks "Somedays" und "Samson" hört man in der äußerst erfolgreichen Krimiserie "CSI New York". Noch im selben Jahr erscheint mit "Mary Ann Meets The Gravediggers And Other Short Stories" eine Compilation ihrer bisherigen Alben, inklusive Tracks aus ihrem bereits seit lange vergriffenen Debüt "11:11".

Derweil der Name Regina Spektor permanent durch die Medien geistert, fummelt die umtriebige Lady schon neues Material zusammen. "Begin To Hope" erscheint im August 2006 und erntet begeisterte Kritiken.

Text von laut.de

reginaspektor.com
myspace.com/reginaspektor

19. 07. 2012: Only Son

Thu May 10 21:29:11 UTC 2012

onlysonmusic.com

20. 07. 2012: DJ Alfi

Thu May 10 21:34:16 UTC 2012

20. 07. 2012: Enter Shikari

Fri Feb 24 09:42:02 UTC 2012

Dem eigenwilligen Experiment, Trance mit Post-Hardcore zu mischen, haben sich die Engländer von Enter Shikari gewidmet. 2003 in St. Albans, Hertfordshire, gegründet, können Sänger und Keyboarder Roughton 'Rou' Reynolds, Basser Chris 'Batty C' Batten, Gitarrist Liam 'Rory' Clewlow und Drummer Rob Rolfe schon 2004 in ausverkauften Clubs spielen.

Ihre Songs sind derweil in den UK Trend Charts vertreten. Das alles, ohne einen festen Vertrag in der Tasche zu haben. MySpace machts möglich, sie werden zu einer der meistgeklickten Bands mit drei Millionen Audio-Plays. Den Namen, der in mehreren orientalischen Sprachen 'Jäger' bedeutet, haben sie sich vom Bootsnamen eines Bekannten ausgeliehen.

Auf dem MySpace Newcomer Festival 2006 ziehen sie die Aufmerksamkeit des Kerrang!-Magazins auf sich. Dessen Leser wählen Enter Shikari zur Newcomer-Band des Jahres. Die Medien fassen den Stil der Band unter anderem als Nintendocore oder Trancecore auf. Den Hörern sowie der Band kann die Bezeichnung eigentlich egal sein. Schneller, als man sehen kann, entsteht ein regelrechter Hype um die schräge Core-Mixtur. Die vier sind 2006 auf MTV2 mit Clips zu "Sorry You're Not A Winner" und "Mothership" vertreten.

Den ersten Deal haben die Engländer 2006 in der Tasche, als sie beim Underground-Label Ambush Reality unterzeichnen. Über die Plattenfirma erscheint die dritte Single "Anything Can Happen In The Next Half Hour". Sie kommt im März 2007 auf den Markt wie auch das Debütalbum "Take To The Skies". Kurz darauf finden sie sich bei einer gemeinsamen Tour mit Alexisonfire und den Punkrockern von Billy Talent auf der Bühne. Das Debüt wird in England schon bald vergoldet und verkauft sich auch weltweit über 250.000 Mal.

Das Quartett lebt quasi nur für die Musik, denn obwohl sie so oft wie möglich auf Tour sind, veröffentlichen sie auch ständig irgendwelche EPs oder Singles. "Common Dread" nennt sich das zweite Studioalbum und erscheint 2009 bereits über das Major Label Warner. Musikalisch hat sich nicht viel verändert, doch der laut.de-Rezensent vermisst den Witz des Debüts. Den Fans der Band ist das egal, die feiern die Briten auch bei Rock am Ring, Rock im Park und im Vorprogramm von The Prodigy ab.

Auch 2010 verbringen Enter Shikari die meiste Zeit des Jahres auf der Bühne. Den kompletten Januar betourt man Europa, ehe es zum Sommer auf die großen Festivals geht. Unter anderem bezirzt die Combo ihre Anhängerschaft auf dem Nova Rock Festival in Österreich, dem Southside Festival und dem Hurricane. Zum Ende des Jahres werden noch mal die Koffer gepackt, da sich auch das Gefolge in Japan und Australien nach den Briten verzehrt.

2011 steht ganz im Zeichen des dritten Studio-Outputs "A Flash Flood Of Colour", der Anfang 2012 den Weg in die Läden findet. Für Chris Batten ist der Erfolg seiner Band nur das Resultat einer ganz normalen Entwicklung. Was ihn aber wirklich beeindruckt sind die Reaktionen auf die Gruppe am anderen Ende der Welt: "In Japan zu spielen war unglaublich. Es war wie ein Kulturschock. Alles war anders, als irgendwo sonst, und dennoch fühlten wir uns wie zu Hause."

Text von laut.de

entershikari.com
myspace.com/entershikari

21. 07. 2012: Nneka

Thu Apr 19 10:44:48 UTC 2012

Die internationale Presse feiert, als Nneka 2005 mit ihrem Debüt auf der Bildfläche erscheint. Das unbeschriebene Blatt aus Nigeria sei Lauryn Hills legitime Nachfolgerin, jubelt etwa die englische Sunday Times: "Victim Of Truth ist so gut wie The Miseducation Of Lauryn Hill."

Tatsächlich schlägt Nneka in eine ähnliche Kerbe wie die ehemalige Sängerin der Fugees, deren Ruf selbst unter einer ausgedehnten Auszeit wegen Mutterschaft nicht leidet. Zu Nnekas musikalischen Vorbildern zählt neben Reggae-Ikone Bob Marley, der Erfinder des Highlife-Jazz, Nnekas Landsmann Fela Kuti. Reggae hin, Jazz und Afro-Beat her: Am stärksten fühlt sich im Hip Hop verwurzelt. Zu den afrikanischen gesellen sich ausgesprochen westliche Einflüsse: Auch bei Mos Def, Talib Kweli, Mobb Deep und jene Lauryn Hill lässt sich eine Menge abkucken.

Während sich Letztere um ihren Nachwuchs kümmert, steigt Nnekas Stern in den Folgejahren immer weiter. Zu verdanken hat sie diese Entwicklung der fruchtbaren Kollaboration mit DJ Farhot. "Bis heute kann er meine Botschaften und von Herzen kommenden Gefühle bestmöglich musikalisch umsetzen", schwärmt sie über den Produzenten der Hamburger HitSpot Productions.

Der Kontakt entsteht per Zufall. 1981 in Warri geboren, verlebt Nneka Egbuna ihre Kindheit und frühe Jugend in Nigeria. Dort sammelt sie erste Gesangserfahrungen im Schul- und Kirchenchor, ohne eine Karriere im Popgeschäft im Sinn zu haben. Erst als sie 1999 in die Hansestadt übersiedelt, beginnt sie professionell zu singen. Nach Kollaborationen mit verschiedenen Produzenten, steht schließlich Farhot an den Reglern.

Trotz der guten Kritiken feiert das Duo erst drei Jahre nach "Victim Of Truth" den ersten internationalen Erfolg. "Heartbeat" macht Nneka einer breiten Öffentlichkeit bekannt. Insbesondere auf der Insel avanciert die Single zum Hit, nicht zuletzt, weil der zugehörige "Chase & Status"-Remix Krater in den Tanzflächen der Clubs hinterlässt. In der Szene steigt Nneka zum Geheimtipp auf. Nach Nas, der einem weiteren "Heartbeat"-Remix seine Stimme leiht, treten später auch The Roots-Rapper Black Thought und Ms. Dynamite als Gäste auf. Curse lädt sie für seine Platte "Freiheit" und die Single "Baby" ins Studio.

Dennoch bleibt Deutschland von Nneka weitgehend unbeeindruckt. Dabei bespielt sie schon vor ihrem Durchbruch die Republik. Für Sean Paul heizt sie 2004 den Hamburger Stadtgarten ein, Patrice bucht sie für seine "Nile"-Tour, auch Seeed, Bilal und Gnarls Barkley setzen auf ihr Können. Zu Recht, denn erst auf der Bühne leben Nnekas Stücke über Gott, Liebe, Seelenschmerz und Politik, insbesondere in Bezug auf Nigeria und Afrika, richtig auf.In ihren Texten verarbeitet die Sängerin ihre tiefsten Gedanken und Emotionen, schreckt vor kaum einem Thema zurück. Tränen oder ähnliche Gefühlsausbrüche sind keine Seltenheit.

So ist es für Nneka eine Selbstverständlichkeit, sich an "Gemeinsam Gegen Rechts" zu beteiligen. Four Music hebt das Projekt vor der Bundestagswahl 2005 gemeinsam mit der SPD aus der Taufe. Das Ziel ist Aufklärung, um den Stimmenanteil der demokratischen Parteien zu erhöhen. Schließlich liegt Nneka das "multi-kulturelle Nebeneinander" als Thema ebenso am Herzen wie "die Kluft zwischen Arm und Reich, die Umweltzerstörung und Umweltverschmutzung".

Das Publikum vergisst sie dabei nicht. Trotz der streckenweise schweren Kost, die Nneka in ihren Texten durchkaut, ist sie in erster Linie Unterhaltungskünstlerin. Ihr Platten und Auftritte sind ebenso vielschichtig wie vielseitig. Wie ernst und komplex die Themen auch sein mögen, Nneka verpackt sie zumeist in einem unterhaltsamen, aber nie beliebigen Mantel aus Hip Hop und Dub, Reggae und Soul. Der Spiegel fasst die Künstlerin Nneka wohl am besten zusammen. Sie befinde sich eher in der "Rolle einer Botschafterin für eine bessere Welt als in der eines sexy Pop-Sternchens" - und steht damit unzweifelhaft in der Tradition ihrer musikalischen Vorbilder.

Text von laut.de

nnekaworld.com
myspace.com/nnekaworld

21. 07. 2012: Soulspin

Thu May 10 21:35:48 UTC 2012

24. 07. 2012: Poetry Slam

Thu May 10 21:36:24 UTC 2012

25. 07. 2012: tindersticks

Thu Mar 22 22:48:39 UTC 2012

Es gibt wohl keine britische Band, die dermaßen versnobt auf den Bühnen der Welt tritt wie die Tindersticks. Im Gegensatz zu den meisten Kollegen versuchen sie nicht zu verbergen, dass sie englische Dandys sind. Bei ihren Auftritten tragen sie Anzüge und die Sprache, in der sie Interviews verwenden, kann man wohl nur als Upper-Class-Englisch bezeichnen.

Die Arroganz ist allerdings berechtigt. Vollkommen unabhängig vom Britpop und den anderen englischen Musikströmungen bevorzugen die Tindersticks einen dunkeln, chansonartigen und vielschichtigen Sound. Wo ihre Zeitgenossen oft direkt und auf den Punkt musizieren, sind die Tindersticks gemächlich, machen dichte und schwierige Lieder, die mit anspruchsvollen Texten und wieder kehrenden Melodien überlagert werden, getragen von murmelndem Gesang und melancholischer Orchestrierung.

Stuart Staples (Gesang), David Boulter (Keyboard), Dickon Hinchcliffe (Violine), Neil Fraser (Gitarre), Mark Cornwill (Bass) und Al McCauley (Schlagzeug) kommen 1992 in Nottingham zusammen. Der Name stammt von einer Streichholzschachtel, die Staples an einem Strand in Griechenland findet. Mit ihren ersten drei Alben "Tindersticks" (1993), noch einmal "Tindersticks" (1995, auch bekannt als "Second Album") und "Curtains" (1997), gelingt es ihnen, sich europaweit einen Namen machen.

Nach dem unendlich traurigen "Can Our Love..." (2001), erscheint zwei Jahre später "Waiting For The Moon" als logische Fortsetzung. 2005 versammeln die Tindersticks insgesamt neun Videoclips auf einer DVD, die im eigentlichen Sinne eher Kurzfilme darstellen. Um die Regie kümmert sich die Firma Nova, an der neben dem Emmy Award-dekorierten Martin Wallace auch Jarvis Cocker beteiligt ist. Der Pulp-Sänger zeichnet für das Video zu "City Sickness" verantwortlich.

Dabei handelt es sich um das vorerst letzte Lebenszeichen der Band. 2005 veröffentlicht Sänger Staples sein Solodebüt "Lucky Dog Recordings 03-04" und lässt in einem Interview offen, ob es jemals zu einem weiterem Band-Album kommt. Sein folgendes Projekt: eine Platte mit Kinderliedern und eine in Zusammenarbeit mit Lambchop-Frontmann Kurt Wagner.

Kinderlieder sind auf "Leaving Songs" (2006) zwar nicht wirklich zu hören, dafür aber zehn unwiderstehliche Abschiedsmomente, die Herz und Verstand mit Hoffnung berühren. Aufgenommen wird das zweite Soloschmuckstück diesmal nicht im eigenen Studio in Frankreich, wo Staples mittlerweile samt Familie lebt, sondern in Nashville gemeinsam mit Mark Nevers, der auch schon Lambchop und Calexico harmonisch unterstützt hat.

2006 kommt es zu einer Tindersticks-Reunion bei einem Konzert in London. Die sechs Originalmitglieder und eine neunköpfige Streichergruppe spielen ihr Debüt von 1995 in voller Länge. Als sich die Band ein Jahr später in Frankreich trifft, sind nur noch Staples, Boulter und Fraser übrig geblieben. "The Hungry Saw" (2008) bietet mit einigen Gastmusikern dennoch den bekannten Sound.

2009 nehmen Staples und Mitstreiter den Soundtrack für "White Material" auf, insgesamt der vierte für die französische Regisseurin Claire Denis. Eine Zusammenarbeit, die bereits 1996 mit "Nénette et Boni" begann. Dass ein neuer Wind in der Band weht, zeigt sich an der Dichte der Auftritte und der Veröffentlichungen in den folgenden Jahren: 2010 erscheint "Falling Down A Mountain", im Februar 2012 "The Something Rain".

Nach wie vor kann man ein Konzert der Tindersticks nur als Erlebnis beschreiben. Gerührte Fans vergießen Tränen und schreien sich die Seele zwischen den Titeln aus dem Leib, als hätten sie Angst, ihr Leben würde ohne diese Band einfach aufhören. Und die Band gibt es ihnen zurück, indem sie sich so weit in ihre Musik vertieft, dass man fast fürchtet, sie würden nie wieder ins normale Leben zurückkehren.

Text von laut.de

tindersticks.co.uk
myspace.com/tindersticksofficial

26. 07. 2012: Destroyer

Thu Mar 22 22:52:32 UTC 2012

Der Singer/Songwriter Daniel Bejar wird 1972 in Vancouver, Kanada geboren. Bejar ist bekannt für seine poetischen und kryptischen Texte, die er als Frontmann für seine Gruppe Destroyer schreibt. In seiner vielseitigen Schaffensphase veröffentlicht er seit 1995 zahlreiche Alben, EPs und Singles. Er gilt vielen als einer der kreativsten Songwriter der modernen Popkultur.

Häufig verändert er seinen Stil, seinen Gesang und die Melodien. Es braucht immer seine Zeit, bis er mit dem Klang zufrieden ist. 1996 reicht das Material für das Lo-Fi-Debüt "We'll Build Them A Golden Bridge", das er in Eigenarbeit in seinem Studio in Vancouver produziert. Mit jeder Aufnahme verfeinert er seine aufwendigen Folk-Arrangements und vermengt sie mit seinem teils sarkastischen Humor.

Für "City Of Daughters" begibt er sich 1998 zum ersten Mal in ein richtiges Studio. Bejar arbeitet zuvor jahrelang alleine und für sich zu Hause. Viele sehen Destroyer daher als Solo-Projekt an, für Dan ist es jedoch eine künstlerische Gemeinschaft, auch wenn sich die Mitglieder im Shuffle-Rhythmus rein und raus bewegen. Demnach gönnt sich der Frontmann gerne eine Pause und lebt einige Zeit in Montreal und Madrid.

Mit sonnigen Inspirationen kehrt er 2000 nach Kanada zurück und veröffentlicht mit den Destroyern das Album "Thief", was der Band vorwiegend positive Reaktionen beschert. Noch mehr Aufmerksamkeit erhält Dan Bejar als Pianist, Gitarrist und Sänger während seiner Zusammenarbeit mit der Indie-Rockband The New Pornographers. Das Kollektiv, bestehend aus verschiedenen, talentierten Musikern, formiert sich 1997 und komponiert mit "Letter From An Occupant" einen Klassiker der kanadischen Indie-Szenerie. Eine weitere Kollaboration entsteht mit Mitgliedern von Frog Eyes und Wolf Parade unter dem Namen Swan Lake.

2001 sorgt "Streethawk: A Seduction" für harsche Kritik. Hier lässt sich der Kanadier mal so richtig über die moderne Popkultur aus. Ein Jahr später und nach Auswechslung einiger Musiker, kommt es zu einem Deal mit Merge Records und "This Night" erscheint als Debüt.

2006 steckt er seine ganze Energie komplett in die eigene Band und nennt den Longplayer einfach "Destroyer's Rubies". Allein der Opener "Rubies" setzt mit seinen neuneinhalb Minuten ganz neue Akzente. Ein mythologisches und historisches Pop-Spektakel, was die Presseleute auch außerhalb Kanadas mehr und mehr beeindruckt. Glamourös und bombastisch betiteln sie die Musik von Destroyer. Ein Tribute an David Bowie und Tyrannosaurus Rex in ihren Blütenzeiten.

Mit seiner Freundin Sydney Vermont gründet er danach das Projekt Hello, Blue Roses, im Januar 2008 erscheint die gemeinsame Platte, bevor Destroyer mit "Trouble In Dreams" zwei Monate später das achte Fulltime-Werk auf den Markt bringen. Zur Besetzung, die bei Mr. Bejar weiterhin wechselt, gehören zu dieser Veröffentlichung und der anschließenden Konzertreise 2008: Keyboarder Ted Bois, Gitarrist und Sänger Nicolas Bragg, Tim Loewen am Bass sowie Fisher Rose am Schlagzeug und zusätzlich verantwortlich für Percussion, Vibraphone, Background-Gesang und Pfeifen.

Text von laut.de

myspace.com/destroyer

26. 07. 2012: Goldsoundz

Thu May 10 21:38:49 UTC 2012

28. 07. 2012: DJ Hell

Thu Mar 22 22:53:43 UTC 2012

Er ist eine Institution in der deutschen DJ-Szene. Neben Sven Väth und Monika Kruse wird er jährlich immer wieder in die deutschen DJ-Top-Drei gewählt. Kein Wunder, denn Hell begann seine DJ-Karriere bereits Mitte der 80er Jahre, damals noch eher den wavigen Klängen zugetan. Später war es dann vor allem der minimalistische Detroit-Techno, der wesentlichen Einfluss auf seine DJ-Arbeit ausübte.

Die Vielfalt des musikalischen Spektrums im Set von Hell, der 1962 als Helmut Josef Geier in Altenmarkt/Chiemsee geboren wurde, dient seit Jahren als Spiegel seiner Entwicklung. Kein Wunder, dass es ihm in München kurzweilig zu eng wurde. 1993 und '94 arbeitete er für Hardwax in Berlin, später dann kurze Zeit in New York, um schließlich wieder ins weiß-blaue Land zurück zu kehren.

Abwechslung war von jeher sein Anspruch. Wo sonst nur strenge Four-To-The-Floor-Beats ihren Weg in das DJ-Set finden, herrscht bei Hell vorurteilsfreier Eklektizismus: Italo-Disco, Wave, Hip Hop, Industrial, Acid-House oder Techno; es gibt nichts was DJ Hell in seiner Höllenküche nicht kunstvoll zusammenbringen könnte.

Neben seiner Arbeit als DJ schuf er sich mit den beiden Labels International Deejay Gigolos und Disko B schon früh weitere Standbeine, auf denen er, neben den Songs von Freunden, auch seine beiden eigenen Alben "Geteert und Gefedert" und "Munich Machine" veröffentlichte. DJ-Legenden wie zum Beispiel Jeff Mills oder Dave Clarke waren ebenfalls schon Gäste auf Disko B; mit der lieblich synthetischen Single "Kernkraft 400" von Zombie Nation kamen die internationalen Deejay Gigolos 1999 gar erstmals zu Chartehren.

Mit seinem Album "Munich Machine" beschwört Hell noch einmal die legendäre Münchner Disco-Ära herauf, bevor er mit Gigolo Records zum Grand Seigneur des Electroclash aufsteigt. Nicht ganz unschuldig an dieser Entwicklung sind zwei seiner zugkräftigsten Signings: der New Yorker Electro-Glam Act Fischerspooner und das französische Techno-Kätzchen Miss Kittin. Die Renaissance der 80er im Techno-Gewand beschert Hell Gastspiele in Hugh Heffners Playboy-Villa und macht ihn zum gefragten Jet-Set-Star. Eine Rolle, die er eher widerwillig annimmt, wie sein 2003er Album "N.Y. Muscle" zeigt, das allen Hypes und Trends eine klare Absage erteilt und sich dunkel und introvertiert gibt.

2005 legt Hell mit Phutures "Rise From The Grave" einen großen House-Klassiker neu auf und presst mit "Follow You" und "Let No Man Jack" auch wieder zwei eigene Tracks in Vinyl. Sein alter Kumpel Abe Duque aus New York sowie Shooting-Star Dominik Eulberg besorgen die Remixes.

Im Jahr darauf würdigt die gelungene Fernsehdokumentation "Fürst Nachtleben - DJ Hell" die rund 20-jährige DJ-Karriere des Gigolo-Chefs. Gleichzeitig präsentiert er mit "Größenwahn" seine erste Best Of und stellt sich ebenfalls 2006 für die dritte Auflage der Four Music-Compilation "Misch Masch" an die Plattenteller.

Kurz nach Weihnachten 2007 heißt es dann: Hosen runter, Schnauzbart raus. The message is Italo Disco. Mit der Compilation "Ellboy" legt Hell überdeutlich Zeugnis von seiner Sozialisation als Jünger der Herren Bobby O. und Giorgio Moroder ab und präsentiert ein lichterloh brennendes Italo-Set. Ein Rezept, das ihn im Folgejahr bis aufs Privatgrundstück des Playboy-Lustmolchs Hugh Hefner bringt. Nie stehen bleiben, immer in Bewegung sein: DJ Hell (oder einfach nur: Hell) bleibt seinem Image mit schlafwandlerischer Sicherheit treu.

Text von laut.de

djhell.com
myspace.com/djhell

28. 07. 2012: Brad Beat

Thu May 10 21:39:46 UTC 2012

01. 08. 2012: m.corvin

Thu May 10 21:42:53 UTC 2012

mcorvin.com
myspace.com/mcorvinmusic

01. 08. 2012: Clint

Thu May 10 21:44:02 UTC 2012

02. 08. 2012: Truckfighters

Thu May 10 10:24:38 UTC 2012

Das lustige Spiel „Rate das Herkunftsland" ist bei den Truckfighters nicht auf Anhieb zu lösen. Angesichts des schwerfälligen Stonerrocks mit deutlichen Kyuss Einflüssen könnte man die Heimat der Band in den heißen Staaten der USA mit hohem Wüstenanteil vermuten. Der zweite Anlauf könnte aufgrund der düsteren Doomriffs die gewisse Verwandtschaften zu Black Sabbath aufweisen auf das vereinigte Königreich abzielen. Die wirkliche Heimat der Band liegt aber in Schweden, ein Land das nicht für seine Masse an Bands sondern auch deren Klasse bekannt ist. Auch die Truckfighters machen da keine Ausnahme. Insofern passt es also wieder! (Arena Wien)

truckfighters.com
myspace.com/truckfighters

03. 08. 2012: Zombie Nation (live)

Thu Apr 19 09:53:46 UTC 2012

Frühe Auftritte von Zombie Nation weisen einen ganz eigenen Charakter auf. White Trash made in Germany, aus dem Off ertönt derweil der mitreißende Sound von "Kernkraft 400". Wahrscheinlich der Elektro-Hit des Jahres 1999.

Die Urheber des Smash Hits sind Gnork Zomb alias Splank! alias Florian Senfter und Kollege Mooner, bürgerlicher Name unbekannt, aus München. Gnork spielt in jungen Jahren Gitarre in einer Thrash Metal-Combo. Nach der Schule hält er sich mit diversen Jobs über Wasser und veranstaltet illegale Parties. Später beginnt er dann mit einfachem Equipment, Musik zu produzieren. Kontakte zu DJ Hell und dessen Label Gigolo werden geknüpft.

Dort erscheint Anfang 1999 "Kernkraft 400". Das Video mit einer Remixversion des Tracks (von DJ Gius) entsteht erst im Nachhinein, als in Deutschland Polydor auf das Stück aufmerksam wird, die Lizenz erwirbt und nochmals veröffentlicht.

Auch in Italien weckt "Kernkraft 400" Interesse. DJ Cirillo bekommt das Recht, die Single bei seinem Label Spectra herauszubringen. Er fertigt zudem einen ebenso unauthorisierten und vergleichsweise minderwertigen "Live-Mix" und bietet diesen zum Verkauf an. Andere europäische Länder ziehen mit Lizenzierungen nach. Auf Drängen von Gigolo Records wird von der Version Cirillos aber kein Gebrauch gemacht. In Belgien, Großbritannien und in den Niederlanden erreicht "Kernkraft 400" sogar die Top Ten der Charts, in Deutschland Rang 21.

Später stellt sich heraus, dass Spectra trotz gegenteiliger schriftlicher Zusage, den Vertrieb des Live-Mixes einzustellen, sich nicht an die Abmachung gehalten und ungefähr 20.000 Platten verkauft hat. Weiteres Ungemach droht in den USA. Denn dort ist neben einer Version eines gewissen DJ Hagen, die aber rechtzeitig gestoppt werden kann, der unsägliche Live-Mix ebenfalls im Umlauf.

Auf eine Lizenz hierfür ist wiederum Strictly Rhythm scharf, blitzt aber mit seinen Wünschen ab. Das Label produziert daher einfach eine Kopie, "DJ Escape Presents: Rhythm Nation - The Chant". Zudem erdreistet sich Rhythm Nation, live als die echte Zombie Nation aufzutreten.

Andere Bootlegs tauchen auf wie "Zombie Station" in Kanada und "Domination" in England. In Mexiko nennt man den Song kurzerhand in "Kernkraft 2000" um. Missachtung von Copyright ist im Musikbusiness nichts Neues, nur ist im Fall der Zombie Nation nicht von einem zigfachen Millionenseller die Rede, der das locker wegsteckt. Ein kompetenter Rechtsbeistand für die Zukunft scheint mehr als angebracht.

Die Liveperformance der wahren Zombie Nation ist dagegen alles andere als deprimierend. Auf der Bühne spritzt Blut, Zombies torkeln, Explosionen und Gasmasken kommen zum Einsatz. Zur Abwechslung wird auch mal ein Keyboardsolo auf einem abgetrennten Bein dargeboten. Zombie-Style halt.

Der Nachfolger von "Leichenschmaus" ist für 2001 anvisiert, die Tracks sollen angeblich auch schon im Kasten gewesen sein, es dauert dann aber trotzdem noch bis 2003. Aufgrund geschäftlicher Details. Angesichts der Vorgeschichte von "Kernkraft 400" eine weise Entscheidung.

Nach der EP "Unload" (2001) und der 12" "Souls At Zero" (2003) erscheint 2003 "Absorber". Bereits im Vorjahr gründet Zombie Nation-Mann Florian Senfter das Label Dekathlon Records, 2005 folgt der Ableger UKW Records. Noch im selben Jahr lizensiert Sven Väth die Zombie Nation-Maxi "Paeng Paeng" für sein Cocoon-Label. Zombie Nation-Studioalben erscheinen zwar nach wie vor, allerdings bei weitem nicht im Kernkraft 400-Tempo.

Text von laut.de

zombienation.org
myspace.com/zombienation

03. 08. 2012: Miracle im Dialog mit Zabriskie Point

Sun Apr 29 12:16:37 UTC 2012

In Kooperation mit dem Kunsthaus Bregenz.

03. 08. 2012: Struboskop

Thu May 10 21:44:31 UTC 2012

Drei DJs, ein Ziel: das perfekte Set. Das bedeutet für Simeks, Techtrix und Zorillah eine Reise durch die Welt der Clubmusik - alles ist erlaubt, solange der Groove stimmt: da kommen House-Hymnen zu Breakbeats, 90er-Trash zu Disco und Electro-Bretter zu Funk-Bomben. Mit Skills der alten Schule leimen die Vinyl-Junkies das alles zusammen, als hätte es schon immer zusammen gehört - da schwingt das Tanzbein ganz von selber.

Auch beim Produzieren kennt STRUBOSKOP keine Länder- oder Genregrenzen. Für ihr erstes Vinyl-Release im Jahr 2009 haben sie mit dem Sänger der Glamrock-Band Blite Heavell zusammengearbeitet, dann kamen Remixes für die Leipziger Avantgarde-Elektroniker Praezisa Rapid 3000, die Wien-Berliner Rap'n'Roll-Band Funkfiaker und das südafrikanische House-Label Miniflex.
Im November 2010 erscheint die Struboskop - Don't Stop Robot EP feat. Violetta Parisini (Universal) auf dem deutschen Label Envloop Records.

STRUBOSKOP hat schon gespielt mit:

Kosheen (AUS), Moonbootica (D), Maral Salmassi (D), Kurtis Blow (US), Sugarhill Gang (US), Joe-Joe (US), Dakar & Grinser (D), Telepathé (US)

myspace.com/struboskop
soundcloud.com/struboskop

04. 08. 2012: Trouble Over Tokyo - The Very Last Show

Thu May 03 20:11:24 UTC 2012

Dies ist die Ruhe vor dem Sturm. Toph Taylor aka TROUBLE OVER TOKYO hat sich nicht nur freiwillig viel Zeit gelassen. In den gut drei Jahren seit er mit „Pyramides" auf der Bildfläche erschienen ist, hat sich so ziemlich alles in seinem Leben verändert. Und wie verarbeitet man seine persönlichen Erlebnisse? Man schreibt. Am besten gleich ein Buch.

„The Hurricane" ist ein solches mit zwölf Kapiteln. Es beschreibt die langsame „Menschwerdung" eines Superhelden, der Taylor als Figur und Alter Ego jahrelang dienlich zur Seite stand. Er zierte handgezeichnet Poster und T-Shirts, Artworks, Autogramme und Videos. Das allgegenwärtige rote Cape am Rücken des Helden ist nun von einem gewaltigen Sturm verblasen worden.

Der Sturm hat für Taylor allerdings nicht nur eine gefährlich-zerstörerische Kraft, sondern auch eine reinigende: Der Hurricane hat auch gleich den ganzen angestauten Ballast weggefegt und plötzlich Dinge frei gelegt, die bisher im Verborgenen lagen. Er ist somit gleichsam auch ein Symbol für das Nicht-Verzweifeln, das Nicht-Aufgeben, für das Mut fassen zum Neubeginn.

„The Hurricane" ist folgerichtig ein ungemein persönliches Konzeptalbum geworden, das die Metamorphose als zusammenhängende Geschichte zu erzählen vermag. Über das Ausbrechen aus gewohnten Mustern, den damit verbundenen Schmerzen und Hindernissen, das Abschied nehmen - und vielleicht sogar ein Stück weit über das späte Erwachsenwerden; das Realisieren, doch kein unverletzbarer Superheld zu sein.

Folgerichtig erscheint das gute Stück nicht bloß als banale CD, sondern als Buch mit Audiobegleitung. In den Handel kommt es hochformatig, mit Hardcover, Prägedruck und 52 Seiten; neben den Songtexten gewährt uns der Autor tiefe Einblicke in die Entstehungsgeschichte und führt uns zum Auge des Sturms und wieder heraus.

Für Toph Taylor ist „The Hurricane" de facto die erste „echte" Studioproduktion. Nach den beiden „Schlafzimmerproduktionen" Marke Eigenbau („1000", „Pyramides") entstand es hauptsächlich in Wien. In den Dolphin Suite Studios wurde in Alex „Feia" Tomann ein kongenialer Partner für Aufnahme, Produktion und Mix gefunden, Martin Scheer hat gemastert.

Der Brite lieferte 2007 mit „Pyramides" eines der spannendsten Debüts des Jahres ab, sammelte Magazin-Cover und „Album der Woche"-Ehren, erhielt Aufmerksamkeit quer über den Kontinent vom russischen Rolling Stone bis zu griechischen und französischen Medien. Die Vergleiche, die die internationale Presse dabei zog, subsummierte der englische „Guardian" wohl am treffendsten: „Er kombiniert die existentialistischen Momente Thom Yorkes mit der sexuellen Aufgeladenheit Justin Timberlakes."

Nun ist er zurück und bereit, die Welt buchstäblich im Sturm zu erobern. (eigen)

troubleovertokyo.com
myspace.com/troubleovertokyo

09. 08. 2012: FM4-Wochenende: Cro

Fri Feb 24 09:44:26 UTC 2012

Wer ist dieser Cro? Im Pressetext seines Labels als "Phantom" bezeichnet, gibt der Künstler zu Beginn seiner Karriere nur wenige Informationen über seine Person im Netz preis und versteckt auch sein Gesicht vor den lauernden Kameras. Das gratis zur Verfügung gestellte Mixtape "Meine Musik" markiert das erste Lebenszeichen des Stuttgarters.

Ihn lapidar als Rapper zu bezeichnen, würde Cros künstlerischer Leistung nicht gerecht. So nimmt er auf seinem Debüt mit gerade einmal 19 Jahren nicht nur die Rolle des MCs ein, sondern zeichnet auch für das musikalische Fundament verantwortlich. "Beats zu machen gehört für mich genau so dazu, wie das Rappen", erklärt der Stuttgarter. Allerdings schließe er nicht aus, Instrumentals von anderen Leuten sofort zu picken, wenn sie ihm gefallen.

Cros schöpferische Arbeit beschränkt sich jedoch nicht auf die Musik. Nebenbei vertreibt der Kreativkopf über Blogspot sein eigenes Klamottenlabel Vio Vio, auf dem er selbst designte T-Shirts in limitierter Auflage anbietet. Auch das Animationsvideo zum technoiden "Dreh Auf" gestaltet er in Eigenregie.

Im Laufe des Jahres 2011 wird das Raplabel Chimperator auf den Jungspund aufmerksam. Im Endeffekt hat Cro die Zusammenarbeit dem Orsons-Mitglied Kaas zu verdanken. "Er hat Songs von mir im Netz gehört und dann über Twitter nach mir gesucht. So sind wir in Kontakt gekommen", erzählt er rückblickend. Im Oktober 2011 gibt Labelgründer Sebastian Schweizer das Signing medienwirksam bekannt und holt den 19-jährigen Cro als jüngsten Chimperator-Act ins Boot.

"Ich bin sehr froh, ein so engagiertes Label im Rücken zu haben", erzählt der Stuttgarter. Die Zusammenarbeit mit den Chimperator-Produzenten Psaiko.Dino von Beat'Em Up und Marlon, bekannt von älteren Maeckes-Releases, eröffnen dem Rapper die Möglichkeit, seine Ideen in qualitativ hochwertige Aufnahmen zu verwandeln.

Folgerichtig begibt sich Cro im Oktober 2011 auf seine erste Tour durch Deutschland. Als Supportact für Madcon stellt er sich einem breiten Publikum vor und verbirgt sein Gesicht dabei weiterhin hinter einer Panda-Maske. Dabei stärkt ihm Psaiko.Dino als DJ den Rücken und mutiert in den Tourdokus auf YouTube zu einer Art Sprachrohr des stets versteckten Rappers.

Im Dezember veröffentlicht Cro sein zweites Mixtape "Easy", das ein weiteres Mal als Free-Download zur freien Verfügung steht. Dabei handelt es sich um einen Vorboten seines "ersten richtigen Albums", das Anfang 2012 via Chimperator Productions erscheint.

Seine Musikrichtung betitelt Cro mit der eigenartigen Wortschöpfung "Raop". Damit umschreibt er seine spezielle Stilmischung aus Indie, Pop und klassischem Rap. "Ich spaziere meistens mit einem Dauersmile durch meine heile Welt, deswegen klingt die Musik fast immer sehr positiv." Bühne frei für den "King Of Raop"!

Text von laut.de

facebook.com/cromusic

11. 08. 2012: Speech Debelle

Sat Apr 21 09:08:41 UTC 2012

Hip Hop-Künstler aus England haben es schwer, werden sie doch nach Erscheinen ihrer Debüts grundsätzlich und umstandslos mit den ganz Großen der UK-Szene verglichen. Im Falle Speech Debelles fallen diese Abwägungen äußerst positiv aus. Sie habe die Authentizität und das Können eines Mike Skinners und die Intelligenz eines Roots Manuvas - jedoch auch ein gewichtiges eigenes Charakteristikum: Sie mache "Anti-Hip Hop"-Hip Hop mit Kultpotenzial, wie die BBC über ihr Debüt "Speech Therapy" schreibt.

Geboren wird die Tochter jamaikanischer Migranten 1984 im Süden Londons. Ganze Acht Halbgeschwister zählen ebenfalls zur Familie, weswegen die finanziell angeschlagenen Eltern ihre Tochter bereits im Alter von 19 Jahren zum Auszug bewegen.

Fortan schlägt sie sich mit kleineren Jobs durch, unter anderem in der Carnaby Street, einer großen Einkaufsstraße im Stadtteil Soho. Ein Hostel leiht ihr ein Dach über dem Kopf. "Ich war ziemlich isoliert, als ich im Hostel lebte. Texte zu schreiben war eine Art Befreiung, ein kreativer Ausdruck, den ich für meine geistige Gesundheit brauchte."

Mit dem Schreiben selbst beginnt sie bereits mit 13 in der Primary School. Zum Hip Hop kommt sie wenig später. Eine Art Tracy Chapman des Raps wollte sie werden, einfache, eingängliche Texte, die beim Hörer große Gefühle hervorrufen, waren ihr Ansinnen. Mit steigendem Alter möchte sie jedoch lieber Speeche Debelle sein statt ein Abklatsch irgendeines Künstlers.

Offenbar gefällt dies den Verantwortlichen bei Big Dada ebenfalls besser. 2004 verpflichten sie die damals noch völlig unbekannte 20-Jährige. Besonders Wayne Lotek findet gefallen an der unschuldig wirkenden und klingenden, aber doch tiefgründigen Speech Debelle. Für die Aufnahmen des Debüts lädt der Wahl-Australier Debelle nach Melbourne ein, wo er diverse lokale Musiker in seinem Studio zusammentrommelt. Was nach beinahe fünf Jahren Arbeit dabei herauskommt, stellt Speech Debelle in einem Text selbst klar: "This is my speech therapy. This ain't rap."

Die Debelle-Therapie macht Wellen. Nicht zuletzt bei der Jury des renommierten Mercury Prizes, die die Londonerin für ihr Schaffen ehren.

Text von laut.de

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11. 08. 2012: Effi

Sun Apr 29 12:14:20 UTC 2012

Effi - Wer?

Effi ist Songwriter. Er ist Elektroniker. Im Herzen Indie. Im Geiste Poet. Ein Grazer, der klingt, als ob er frisch aus London kommt. Aber er ist vor allem Eines: Vermutlich das größte Talent im Indiezirkus, das gerade vom Insidergeheimtip zur Fixgröße am heimischen Musikhimmel heranwächst. Geliebt von Musikerkollegen der unteschiedlichsten Genres. Seine drei Vorabsingles zum Album („Happy", „Bye Baby", „Sinnerman") laufen auf Dauerrotation auf FM4. Andreas Prochaska, Regisseur von „In drei Tagen bist du tot", war so angetan, dass er gleich 5 Songs von Effi auf den Soundtrack für seinen neuen Film „Die unglaubliche Entführung der Frau Elfriede Ott" nahm. Effi war sowohl mit 3 Feet Smaller auf Österreichtour, als auch mit Grossstadtgeflüster. Genregrenzen kennt er nicht und diese sind ihm auch egal. Sitzt er mit seiner Mischung aus verspielter Elektronik und Gitarrenmusik sowieso zwischen den Stühlen. Paolo Nutini wünschte ihn sich als Support in der Wiener Open Air Arena.

Sternzeichen: innerlich getriebener Workaholic

Mit bürgerlichem Namen heißt „Effi" Thomas Petritsch. Der Name Effi kommt von der literarischen Figur Effi Briest, gleichzeitig auch der Name des Romans von Theodor Fontane. „Die Figur drückt den ständigen Zustand der Zerissenheit zwischen gesellschaftlichen Zwängen und kindlich-naiv romatischer Abenteuerlust aus, die mich auch ständig begleitet", so Effi. Seine Musik beschreibt er selbst als „vielfältiger Minimalismus, der sich nicht widerspricht. Ein Kosmos an Leben, an Kosmen, alles im selben Raum."
Als Literaturstudent und Teil des Kollektivs „Blattwerk", lässt er es sich nicht nehmen, die Hand über seinen kompletten künstlerischen Output zu behalten. Er spielt die meisten Instrumente auf seinem Album selbst, alle davon als Autodidakt erlernt. Darunter ungewöhnliche Instrumente, wie etwa die Ukulele. Dies begründet Effi mit der Begeisterung, neue Sachen zu erlernen. Das Artwork des Albums „Astronaut" stammt ebenfalls aus der eigenen Feder. Effi betourte mit seiner Band bereits Länder wie Deutschland, Russland, Lettland und Estland, war als Straßenmusiker in Neuseeland unterwegs. Darin begründet sich auch sein ungewohnt britischer Akzent, den er auf seinen Reisen als Mitbringsel angeheftet bekam.

Astronaut

Effi´s Debutalbum trägt den charmanten Namen „Astronaut". Innen: englischer Gesang, Indie-Elektronik und immer wieder dazwischen wunderbare Brisen Tropic-like-it´s-hot. Ein Maximum an minimalen Elementen zu schaffen ist seins. Der Astronaut zieht sich auch durch das Artwork, durch Zeichnungen, Shirtgrafiken und Videos - das schon seit Jahren. Die Faszination an der Figur des Astronauten liegt für Effi darin, dass dahinter das Bild des Suchenden, Treibenden & Verlorenen im Universum steckt. Allein und doch umringt von der unendlichen Weite. „Man kann das Bild nun auf die Alltäglichkeit übertragen. Ohne diesen Raum wären wir alle Astronauten. Heißt aber auch Ferne, Fremde und Neues zu entdecken, jugendlichen Forschungsdrang auskosten und somit, nun im musikalischen Sinn, zu wachsen."
Gewachsen ist Effi in den drei Jahren, in denen er das Album geschrieben hat, gewaltig. Ihm zur Seite stand beim Album Co-Produzent Alexander Nefzger, der auch schon Alben von „Clara Luzia", „Mika Vember", „Illute" und „Kommando Elefant" feingeschliffen hat. Auf Astronaut gab es außerdem eine Kollaboration beim Song „Bye Baby" mit Toph Taylor von „Trouble Over Tokio", Mika Vember lieh Effi für den Song „Sinnerman" ihre Stimme. Das Schlagzeug wurde von niemand Geringerem gespielt, als dem Ohrbooten-Schlagzeuger Markus „Onkel" Lingner. Eine illustre Runde, die vielfältiger und unterschiedlicher nicht sein könnte. Genau richtig für „Astronaut". (eigen)

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16. 08. 2012: Yellowcard

Thu Mar 22 22:55:56 UTC 2012

Yellowcard wurde 1997 im sonnigen Jacksonville in Florida gegründet. Ben Dobson (Gesang), Todd Clary (Gesang, Gitarre), Sean Mackin (Violine), Benjamin Harper (Gitarre), Warren Cooke (Bass) und Longineu Parsons III (Schlagzeug) treffen sich zum ersten Mal an der Douglas Anderson School Of The Arts. Noch im selben Jahr erscheint das Album "Midget Tossing" auf DIY Records sowie 1999 "Where We Stand", das auch einigen Erfolg vorweisen kann. Aber schon bald danach gerät das Bandgefüge gehörig durcheinander.

Ein gewisser Ryan Key ist mit den meisten Bandmitgliedern schon seit Highschooltagen freundschaftlich verbunden. Nach dem Abschluss schreibt er sich - ebenso wie Sean Mackin - an der Florida State University ein. Key wirft den Brocken jedoch nach lediglich einem halben Jahr wieder hin, um seiner Leidenschaft nachzugehen, und schließt sich diversen Punkbands an, bei denen er am Mikro steht. Bei einem Konzert sieht ihn Harper und überredet ihn, einmal mit Yellowcard zu proben. Kurz zuvor setzen sie nämlich Sänger Clary vor die Türe und sind seither auf der Suche nach einem geeigneten Nachfolger.

Yellowcard sind nun komplett, und Key überzeugt die anderen, dass es für die Band das Beste sei, nach Kalifornien zu ziehen. Von dort aus, hätten sie eine viel größere Chance auf einen neuen Plattenvertrag als im heimischen Florida. Gesagt, getan. Sie ziehen also nach Ventura County, Kalifornien um und spielen die Songs, die fast alle von Key stammen, ein. Bald darauf unterschrieben sie einen Deal mit Lobster Records. Es folgte das Album "One For The Kids" (2001), sowie die EP "Underdog" (2002).

Anschließend geht es auf die Warped Tour durch Kalifornien. Sie machen kräftig Party und lassen auf der Bühne so richtig die Sau raus. So ergattern sie sich Support-Auftritte für Punk Bands wie No Use For A Name, Lagwagon und Less Than Jake.

Die Band entschließt sich daraufhin, das Album "Ocean Avenue" auf Capitol Records heraus zu bringen, und verpflichtet den Produzenten Neal Avron für den Job hinter den Reglern. Aus den Aufnahmen entwickelt sich ein fröhliches Gute-Laune-Ding. "Wir sind definitiv eine positive Band," ist Key überzeugt. "Wir nehmen die Erfahrungen aus unserem Leben und versuchen, sie auf eine positive Art zu nutzen. Wir wollen die Leute dazu ermutigen, sich von niemandem in ihr Leben reinreden zu lassen."

In den Staaten räumen die Jungs mit der Scheibe voll ab, in Europa hält sich die Begeisterung der Massen jedoch in Grenzen. Ben Harper steigt 2005 aus der Band aus; weil er nebenher noch sein eigenes Label Takeover Records betreibt, war es intern zu Spannungen gekommen. In der Besetzung Key, Mackin, Mosley, Parsons und Mendez macht sich die Combo an die Aufnahmen zum Album "Lights And Sounds", das im Januar 2006 erscheint. Für das Songwriting zeichnen jedoch nur zwei Personen verantwortlich: Pete und Sean. Der Rest erholt sich derweil von der anderthalb Jahre andauernden Tour. Thematisch dreht sich das Album um die Hassliebe zum Moloch Los Angeles, die sich auch in zwei Songtiteln offenbart ("Rough Landing, Holly", "Holly Wood Die").

Schon im Sommer 2007 bringen sie mit "Paper Walls" die nächste Scheibe auf den Markt. Der Name des Albums spielt auf die durch Tourstress ausgelösten Differenzen innerhalb der Band an. Das Stück "Light up the Sky" wird als erste Single gewählt.

Text von laut.de

yellowcardrock.com
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16. 08. 2012: From Dawn to Fall

Sun Apr 29 12:11:35 UTC 2012

Wie die Phönix aus der Asche erhebt sich „From Dawn to Fall" mit ihrem Zweitlingswerk „Rising". Die Band hat die Wut und Aggression des Debutwerkes abgelegt und fokussiert sich darauf, was sie am Besten kann - großartige Melodien schreiben und diese in ein Rockgewand verpacken. Songs wie „Broken Heart", „Rome" oder „Gossip" fressen sich derartig in die Gehörgänge, dass sie dort als Ohrwürmer wie Kaugummi kleben bleiben und noch Tage später festsitzen. Sänger Stefan Eckhard weiß seine Stimme perfekt über die ausgeklügelten Songs zu streuen.
Für die Aufnahmen holte sich die Band Unterstützung und reiste für einen Monat nach Italien. Das Album wurde in Rom von „Vanilla Sky" Sänger Daniele „Brian" Autore produziert. Er hob „From Dawn to Fall" produktionstechnisch auf ein neues Level. Sound und Songs treffen sich von der Qualität her in einer internationalen Liga mit Bands wie „Paramore" oder „Fallout Boy". Gemastered wurde „Rising" von Brian Gardner, der auch schon Alben von „30 Seconds to Mars", „Beastie Boys", „Black Eyed Peas" und „Foo Fighters" verfeinert hat. Selten hat man so eine bombastische Produktion einer österreichischen Band gehört. Die Jungs lassen sich nicht auf eine Schublade festnageln, Discoeinflüsse finden sich ebenso wie klassische Rocksong und Punkrock. Der Titelsong „Rising" knallt von Beginn weg ein ordentliches Paket Poppunk vor den Latz und an „T.R.L" hört man noch klar die Punkrockroots der 5 Jungs heraus.
„From Dawn to Fall" haben sich weiterentwickelt, sind ihren Wurzeln aber mehr als treu geblieben und wissen wo ihre wahren Qualitäten liegen - In den Liveshows. Diese haben sie auf Touren mit 3 Feet Smaller, Julia und Guadalajara, sowie am Frequency Festival, Novarock und auf der Taste of Chaos Tour bereits eindrucksvoll unter Beweis gestellt. Mit dem neuen Album sind alle Weichen in die richtige Richtung gestellt und spätestens wenn am 18. März im Wiener WUK dann das Album präsentiert und veröffentlicht wird, werden auch alle Ampeln auf Grün geschalten und zu einer umfangreichen Livetour gestartet. (eigen)

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17. 08. 2012: Ginga

Sun Apr 29 20:26:07 UTC 2012

Irgendwann Mitte der 90er Jahre, lange bevor Ginga zum bestgehüteten Geheimnis der österreichischen Hauptstadt wurde, spielten Sänger Alex Konrad und Multi-Instrumentalist Emanuel Donner bereits ihre ersten Gigs als Schulband. Rund zehn Jahre später stießen Klemens Wihlidal (Gitarre, Synthie) und Matthias Loitsch (Drums) dazu. Der Name der Wiener Band - ein phonetisches prägnantes Fantasiekonstrukt - war bereits davor entstanden.

Was die Band ausmacht? Es ist wohl diese Leichtigkeit, die Ginga transportiert und 2010 zu einer der interessantesten Bands der Alpenrepublik macht. Ob diese Leichtigkeit verinnerlicht oder mehr Anstrich ist, spielt vor dem Hintergrund des Outputs keine große Rolle. Hauptsache, es fliegt!

Die vier jungen Männer versuchen sich an einer Melange aus Rock, New Folk und Americana, stampfen Atmosphäre aus dem Boden, laden ihre Tracks mit einer gehörigen Portion Vielfalt auf und erinnern, um eine Schublade aufzumachen, mitunter an Arcade Fire, Broken Social Scene oder Modest Mouse - selbst Radiohead und The Strokes wurden bereits irgendwo ausgemacht. Dass man dabei völlig grenzenlos agiert, ist vor allem im österreichischen Umfeld ein geschickter Ansatz.

Die Mehrheit jener Kapellen, die Qualität und Extravaganz liefern, marschiert hier direkten Weges in Richtung Versenkung. In wohl keinem anderen Land der Welt ist die "Prophet zählt nichts im eigenen Land"-Redewendung zutreffender. Oder wie Komponist und Dirigent Gustav Mahler treffend fragte: "Muss man denn hier erst gestorben sein, damit sie einen leben lassen?"

Als Ginga im Jahr 2008 ihren Erstling "They Should Have Told Us" veröffentlichen, verhält sich das mediale Echo dementsprechend. Erst die gelungene Kombination aus Aufsehen erregenden Live-Gigs und der Wiederaufnahme ihres Albums im, ja, ausländischen Belgien zwei Jahre später - gemischt wurde es in London - ziehen mediale Anerkennung nach sich und helfen dabei, alpenländische Traditionen aufzubrechen.

Bezeichnend auch die von Ginga angeführten Herkunftsorte auf ihrer MySpace-Site: Antwerp, Vienna, United Kingdom. In der Konzertankündigung ihrer CD-Präsentation im Wiener Szenelokal B72 stand geschrieben: "Ginga ziehen durch die Straßen und kombinieren Stummfilmmusik und Solidaritätschöre, Taschengeldromantik, Gruppentänze und Pioniergeister mit Ministrantenorgeln, Schicksalstrommeln und Fieberträumen."

Text von laut.de

thisisginga.com
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17. 08. 2012: Balthazar

Sun Apr 29 20:32:47 UTC 2012

Belgien - das Land zwischen den Niederlanden und Frankreich. Unscheinbar, irgendwie. Es hat die Königin Beatrix, den ewigen Zwist von flämischer und französischer Bevölkerung und den Bier-Riesen InBev. Und mausert sich immer mehr zum Heimatland anerkannter Indie-Künstler.

Ganz vom Schmusebarden Milow abgesehen, sorgen dEus oder The Black Box Revelation seit geraumer Zeit für Aufmerksamkeit in der mitteleuropäischen Welt. Dazu gesellt sich jetzt ein neues Mitglied: das flämische Quintett Balthazar schickt sich 2010 an, die BeNeLux-Staaten mit ihrem Debüt "Applause" für sich zu gewinnen.

Sicher ein mutig gewählter Titel für das erste Album. Aber der Plan geht auf: Dem flämischen Music Industry Award ist "Applause" sogar der Preis fürs beste Album des Jahres wert. 2011 veröffentlicht PIAS Germany den Erstling auch in Deutschland. Produziert hat die Band ihr Album selbst. Einen prüfenden Abmisch-Blick darauf werfen darf Ynge Leidulv Saetre in Norwegen, der bereits Kings Of Convenience oder Röyksopp unter die Arme griff.

Darauf mussten Balthazar recht lange warten. Bereits 2004 gegründet, dümpelten Maarten Devoldere (Leadgesang, Gitarre, Keyboard), Jinte Deprez (Leadgesang, Gitarre), Patricia Vanneste (Gesang, Violine, Keyboard), Simon Casier (Bass, Gesang)und Christophe Claeys (Schlagzeug) zunächst im Morast von Talentshows und Band-Contests vor sich hin.

Zwar stach man im Jahre 2006 bereits Kollegen wie bereits genannte Black Box Revelation aus, so richtig vorwärts bringen sie aber erst die Singles "This Is A Flirt" (2007) und "Bathroom Lovin': Situations" (2009). Damit dürfen nicht nur belgische Festivals erobert werden, sondern sogar südafrikanische Lande im Jahre 2009.

Das Geheimtipp-Image haftet dennoch weiterhin am Quintett. Und das, obwohl sie ihren Sound selbst mit Arctic Monkeys, The Streets, The XX und den Gorillaz vergleichen. Die Fusion klingt dennoch einzig und allein und nur nach Balthazar.

Text von laut.de

balthazarband.be
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17. 08. 2012: Stereoface

Fri Feb 24 09:38:25 UTC 2012

stereoface.at.tf
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18. 08. 2012: WhoMadeWho

Thu Apr 19 11:10:06 UTC 2012

Auf der Bühne eilt ihnen ein exzellenter Ruf voraus. WhoMadeWho, das Trio aus der dänischen Hauptstadt Kopenhagen. Denn bei Auftritten entfaltet ihr schlichter und an sich unspektakulär handgemachter Discosound im Bandformat ungeahnte Live-Qualitäten.

Schlagzeuger Tomas Barfod, Jeppe Kjellberg an der Gitarre sowie Sänger und Bassist Tomas Hoffding schließen sich 2003 zusammen. Sie benennen sich nach dem gleichnamigen Album von AC/DC.

Barfod spielt seit seinem 11. Lebensjahr Schlagzeug. Während er sich als Teenager in verschiedenen Funk-, Fusion- bzw. Jazzbands engagiert, wendet er sich in den 90ern elektronischer Clubmusik zu. Er avanciert zu einem geachteten DJ, Remixer und Produzenten. Von Barfod erscheinen unter dem Alias Tomboy Platten auf Get Physical Music, Kitsuné, Turbo Recordings sowie bei Gomma. Jeppe Kjellberg besitzt einen etwas anderen musikalischen Hintergrund: Als Siebenjähriger fängt er mit der Gitarre an und spielt später in diversen avantgardistischen Jazzbands. Eine Zeitlang lebt und studiert Kjellberg in New York, wo er bei David Tronzo Unterricht nimmt. Mit einem Abschluss des Kopenhagener Konservatoriums für Rhythmische Musik in den Händen, arbeitet Kjellberg dann in der dortigen Musikszene, geht auf Tourneen und veröffentlicht das Album "Go Out". Tomas Hoffding spielte bisher in einer dänischen Garagenrockband Namens Garbo.

Bei WhoMadeWho beginnt alles mit zwei Coverversionen. Die nachgespielten Songs von Benny Benassis "Satisfaction" sowie "Flat Beat" von Mr. Oizo landen auf ihrer ersten Veröffentlichung "Two Covers For Your Party" (2004) beim Münchner Gomma Label. Es folgen "The Loop" sowie "Happy Girl". Nicht nur die englische Presse, vom NME über Dazed & Confused bis zu DJ Mag, stimmt das Hohelied der Lobpreisung an. Auch DJs wie Tiga, Tiefschwarz, die Glimmer Twins oder Andrew Weatherall zeigen sich von den Dänen überaus angetan.

Die 2ManyDJs alias Soulwax lassen sie in ihrem Vorprogramm auftreten. Sie spielen außerdem im Londoner Trash-Club, auf der Optimo-Party in Glasgow, bei Kill The DJ in Paris sowie auf dem Sonar-Festival in Barcelona und erarbeiten sich so ihren guten Ruf als Live-Band. Und all das ohne ein Album in der Tasche. Doch dies lässt nicht lange auf sich warten und kommt, ebenfalls über Gomma, im Spätsommer 2005 in die Plattenläden.

Während mit "Green Versions" die Akustikversion des WMW-Debüts erscheint und die Band auf Tour geht, arbeitet Schlagzeuger Barfod nebenbei noch an einem Album für sein Projekt Tomboy. "Seriøs" kommt ebenfalls bei seinem Stammlabel Gomma heraus. WhoMadeWho selbst werkeln ebenfalls an neuem Material. Die Spannung steigt.

Text von laut.de

whomadewho.dk
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19. 08. 2012: Mia Lutzmayer & Herbert Mayer Duo

Mon Apr 02 16:27:19 UTC 2012

19. 08. 2012: poolbar-Farewell: Mogwai

Thu May 03 19:25:52 UTC 2012

"Mogwai ist die Band für das 21. Jahrhundert." (Stephen Malkmus)

Wenn es in diesem Jahrhundert monatelang regnet, hat der Ex-Pavement-Kopf vielleicht gar nicht mal so Unrecht. Die Klangfarbe des Glasgower Postrocks ist dunkel, geheimnisvoll und verstörend. Nur selten spielen sie mit eingängigen Melodien, noch seltener mit Texten. Die brüchigen Stützpfeiler ihrer Musik bestehen aus traurigschöner Melancholie, die konstant Gefahr läuft, in sich zusammenzufallen.

Gitarrist John Cummings bezeichnet seine Band augenzwinkernd als "New Wave of New Wave of New Wave-Punk". Das macht zwar erst nach dem dritten Durchlesen Sinn, dann aber richtig. Die Schotten finden 1996 zusammen, als Stuart Braithwaite (Gitarre/Gesang), Dominic Aitchison (ebenfalls Gitarre) und Martin Bulloch (Schlagzeug) ihre damaligen Bands verlassen und beschließen, "seriöse Gitarrenmusik" zu machen. Instrumental beeinflusst von noisy Artrockern wie Sonic Youth, Spacemen 3 oder My Bloody Valentine, kracht man im Glasgower Proberaum tonnenschweren Sound an die Wand, dem es trotz seiner gewaltigen Ein-Akkord-Für-Zehn-Minuten-Härte nicht an der nötigen Zerbrechlichkeit fehlt.

Ende des Jahres trifft noch der Gitarrist John Cummings auf die Band. In dieser vierköpfigen Konstellation veröffentlicht man über das eigene Minilabel Rock Action auf Chemikal Underground Records (Arab Strab, Delegados) erste Splitplatten und verschiedene Beiträge auf Compilations, welche im 97er Beinahe-Debüt "Ten Rapid" noch einmal zusammengefasst werden. Im selben Jahr verpflichten Mogwai noch Brendan "Barry" O'Hare, der vorher bei Telstar Pony und Teenage Fanclub spielte, für die Arbeit an Gitarre und Klavier. Mit ihm nehmen sie das erste Studioalbum "Young Team" auf, dessen Name von einer schottischen Streetgang stammt, in der Barrys Vater in 70ern sein Unwesen trieb. Das Album schlägt ein und führt zu einer Tour mit den Manic Street Preachers.

Die Band ohne Worte in ihren Songs verpasst es darüber aber nicht, ihre Ansichten zu verbreiten. Zuerst verkaufen sie T-Shirts mit dem Aufdruck "Blur: are shit" und legen sich damit natürlich kräftig mit den Herren Albarn und Coxon an, danach sind schottische Politiker an der Reihe. Jene führen 1998 in South Lanarkshire eine zeitige Sperrstunde für alle Schulpflichtigen ein, um die Kriminalität unter Jugendlichen zu drücken. Mogwai halten mit schottischen Menschenrechtsgruppen dagegen, erklären die Sperrstunde für unfair, fordern lieber mehr Geld für Bildung und für Soziale Einrichtungen, drucken tausende "Fuck The Curfew"-Aufkleber und veröffentlichen die EP "No Education = No Future (Fuck The Curfew)".

Ein englischer Journalist schrieb ganz treffend über diese Formation: "Live Fast, Play Slow, Die Young". Unter diesem Leitmotiv vertonen Mogwai bis heute obskure Filme wie ein Porträt des französischen Fußballers Zinédine Zidane, bringen 2010 das erste Live-CD/DVD-Doppel "Special Moves / Burning" auf den Markt und begeistern weiter mit Alben zwischen den Polen Bestialisch-laut und Intim-leise. Postrock ohne Mogwai als Genre-Führer? Kaum vorstellbar.

Text von laut.de

mogwai.co.uk
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